12个高级电影剪辑技巧，你知道多少？

12个高级电影剪辑技巧，你知道多少？Oliver Peters是一名独立的视频/电影剪辑师，调色师，后期制作总监以及咨询师。自从1970年开始，Oliver Peters已经从事于音频，视频以及电影业。曾多次获得奖项，包括国内外的各种奖项。这篇文章摘自他的个人博客，希望对大家的剪辑有所帮助。

12个高级电影剪辑技巧，你知道多少？

1、剪辑要紧凑

-最好的方法是编辑紧张的场景，但不要剪得太短。

这意味着需要剪辑掉演员对话中不必要的停顿。缩短每句中间的空白部分，甚至可以减去冗长不重要的对话。不过在剪去对话前，请先征求导演的意见。通常来说，我的方法是一开始就剪辑出精确的版本，而非剪出较长的电影再缩减。大部分电影观众的注意力一般不超过90分钟，相当于一般电影的长度。如果初剪完后电影长度大约100分钟，那你基本上还需继续剪到90分钟使电影更紧凑。但如果初剪完后电影长达两个小时甚至更长，那就需要“动大手术”了。

2、临时音乐

很多编辑喜欢用临时背景音乐编辑电影，用临时音乐作为占位符。

在此，我提出两个不提倡这种做法的理由。

第一，人一旦喜欢上了临时音乐，就很难找到合适的感觉不错的配乐。

第二，临时演唱会会成为你的“精神支柱”。

当无趣的场景配上有趣的音乐时，你会更加宽容。我更愿意剪辑出有力的电影场面并通过适当编辑使它完美呈现。如果一个场景可以自己站得住脚，那配乐会锦上添花。唯一的例外是蒙太奇镜头的音乐设置。因此，我在剪辑时候可以做的更好。

3、不要使用法网剪辑方法。

最初的法网电视连续剧使用特定对话剪辑方式：声音与画面完全同步，不存在重叠部分。常用的方法是：剪A画面—A讲完对白—剪B画面—B讲完—剪回A画面，就这样一直轮流剪辑下去。剪辑大师沃尔特·默奇（Walter Murch）将这种剪辑方法命名为法网风格剪辑法。但事实上，观众对与声音和画面剪辑不重合的反应更好。这种音画分离的剪辑方法称为split edits, L-cuts 或 J-cuts.我认为这种剪辑方法更贴近现实生活，我们先是听到有人开始说话，然后才抬头去看。或者一个人正在说话，我们会看看我们的朋友的反应。这种剪辑方法更贴近人的自然反应，会使影片更加流畅。

4、动作配合

-使用演员手势、道具、视线或行走是剪辑方式之一。

但沃尔特·默奇说，最好的方式是让情绪自然流露，或者剪出流畅的叙事节奏，技术上的剪辑反而是最不需要考虑的。但也绝不可忽略，因为动作不相配会让观众难以入戏。然而一个编辑朋友经常告诉我，“过分注重匹配会束缚剪辑”。如果观众能完全入戏，那他们常常会忽略那些镜头存在的不连续问题。剪辑的职责就是尽量使观众融入剧情之中。

杜琪峰在《死亡之金》中经常使用视线编辑

5、移动拍摄镜头

-动镜头是拍摄动作片的主要方式，可以是轨道相机、旋臂相机、相机稳定器或手持相机。

动作电影通常要呈现出紧张的氛围。当我剪辑电影时，我喜欢在镜头运动时作剪辑，保证一个接一个的镜头都处于运动状态，但许多导演兵不同意，他们更喜欢在摄影机开始移动前或停止移动后才剪辑。但我更喜欢紧凑的剪辑方式，让观众目不暇接。

6、不要一直用同一个角度进行剪辑

——如果导演从不同角度拍了很多镜头，不要一直机械地切回同一个角度，或者重读前不久用过的同一个系列的镜位。

当然，在一个对话场景中只有两个角度，难以避免重复剪辑，但是如果导演根据不同需要不同镜头框架进行拍摄，那不妨通过剪辑体现导演的意图。不要被剪辑规则束缚，比如主镜头/单镜头/反转，主镜头/单镜头/反转等等。可以尝试混搭一下。

7、镜头三个一组

-需要切换场景的时候，一般是三人一组。至少1.5到2秒，甚至更长。

比如在主角进入房间环顾四周的场景中，三人一组编辑视点镜头，可以在视觉上向观众展示主角看到的整个场景，模仿我们的真实世界，让观众身临其境。

8、重点剪辑演员的眼睛

——演员在电视、电影、舞台上用脸来吸引眼球，但最重要的还是演员的眼睛。

剪辑激烈的对话场景时，我总是注意演员的眼神。它们是否传达了恰当的情感？你对剧中的演员有什么反应？演员的表演决定了我的剪辑。这个原则让我更专注于传达对话的主要演员，切断其他人的反应。

9、排除演员表演中的“空气”

和第一点类似，我喜欢紧凑的剪辑。

注意大部分演员都是夸大其词，超出了应有的水平。演员会强调停顿，犯比剧本要求更多的错误，结巴更多，扫视时间更长，但剪辑的职责是通过适当的剪辑将表演恢复正常。剪掉冗长的动作和对话，让影片真实不做作。

10、形成故事情节

据说世界上有三种电影:剧本型、拍摄型和剪辑型。

无论编辑哪种类型，都要非常注意故事的脉络，不要害怕改变剧本或者拍摄内容，只要让它有意义就行。许多编辑使用屏幕上的脚本分割来直观地记录故事。这可以帮助你决定用最流畅的逻辑向观众呈现故事。

11、利用数字辅助设备

-现代非编和整理技术等数字媒体为制作者提供了许多辅助工具。

比如数字图像可以放大很多倍。您可以使用这些工具来缩放摄影师以放大镜头来拍摄大范围的场景或特写镜头，如果您使用35mm胶片的红色数码相机，这很容易做到。只要图像质量有保证，就不用怕放大。

很多编辑经常讨论使用多屏编辑。通常是指两个演员的作息时间与预设不符(比如过肩拍或者双特写)，但是可以编辑合适的场景节奏来减缓两个演员之间的时间。如果相机被锁定，演员动作的重叠部分不太复杂，可以用更简单的方法制作一个新的OTS镜头。产生一种两个演员在表演时机上有偏差的视觉效果。

▲双镜头在20世纪30年代的美国电影中相当普遍，刚进入有声电影时期的相机也相当笨重。在对话场景中使用双镜头大大减少了移动镜头的需要，但现在已经成为构图上的需要，画面取自电影《爱到底》。

12、做自己的选择但也要考虑其他人

——作为编辑的职责是形成故事，把握电影的节奏。

最重要的一点是帮助导演达到创造性的视觉效果。但是你也要有自己的想法。大部分剪辑师都是独立完成初剪。这是你在电影打上鲜明的个人烙印的第一个机会。当初剪完成后，导演会和剪辑师通力合作把剪辑变成导演想要的版本。

你在剪辑和改变一个演员的表演时所做的选择影响了观众看电影的感觉。比如把对话中重复的部分剪掉，可以增强画面的张力。

这传达了一个观点，即使拍完，剪辑工作也不应该被忽视。编辑的决定很容易改变场景传达的感情，所以任何决定都必须服从剧情。

当然，只有有逻辑上的原因，导演同意，你才能做这样的剪辑，如果你不同意，你应该提供替代方案。

我喜欢在选择最好的场景前回顾一下取景镜头。起初，导演也许从四个镜头中标记了第三个和第四个为取景范围，我实际上可能开始用第一个镜头，接着用第四个镜头的后半段。在反复简介演员对话对白时，我经常剪掉包含很少取景镜头的过场场景。虽然你已经想好解释你所做剪辑的理由，但也要准备好应对改变。大部分导演不会在后期制作时回顾每一个取景镜头，而是根据你剪辑表演的版本进行修改，无论是否欣赏演员的表演。如果他们的确欣赏某一演员的不同的表演，他们会建议修改剪辑或从取景镜头找到合适部分。剪辑的场景越让人感觉焕然一新并呈现出最令人信服的表演，导演就会越认同你的技术。

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